En noviembre de 1995 (el día 18) se estrenaba en Japón la película de animación japonesa Ghost in the Shell (Kokaku Kidotai), una obra que marcaría una época en el anime y en la ciencia ficción. Dirigida por Mamoru Oshii y basada en el manga homónimo de Masamune Shirow, el largometraje trasciende el planteamiento del manga original para lanzarnos hacia lo trascendental. Sin dilación, Ghost in the Shell nos adentrará en un laberinto filosófico en el que debemos responder a una pregunta, quizá la pregunta: ¿qué es la vida? Y para eso, también nos obliga a plantearnos: ¿cuáles son sus límites, sus parámetros, sus normas?

Ghost in the Shell y la pregunta por la identidad

Ahora bien, el viaje que nos propone Oshii hacia esa pregunta se hace de una manera particular, tan poética como extravagante, tan armoniosa como inquietante.

De entrada hemos de aferrarnos a un escenario recurrente: un neo-noir futurista y redefinido, construido bajo el imaginario de una megalópolis distópica; ya saben, esas moles inabarcables, construcciones urbanas americano-japonesas ultra tecnológicas y asfixiantes. Viajamos a una hipotética ciudad del año 2029, un porvenir incierto que, casi tres décadas después del estreno de la película, resulta inquietantemente reconocible. Ya entonces nos dejamos atrapar por la ochentera y visionaria subcultura cyberpunk, donde nos espera una atmósfera radicalmente embriagadora, la que entona melódicamente Kenji Kawai.

Música, acción, ahogamiento y melancolía. A estas alturas, como sucede con la legendaria Akira, el vértigo termina por deshacer el suelo bajo los pies del observador. Pero seguimos.

De la trama a la metatrama

Sobre esta tribuna, con el eco de Blade Runner resonando en nuestras mentes, la protagonista, la mítica Motoko Kusanagi, y su colega en la Sección 9, Batou, se lanzan a la búsqueda del escurridizo y peligroso terrorista informático llamado Puppet Master, cuyo paradero es un misterio y encierra secretos sobre la siniestra Sección 6.

Casi nada encaja y, a la vez, casi todo.

Sin embargo, la investigación termina convirtiéndose en algo muy distinto: una exploración sobre la conciencia, la memoria, la identidad y la propia naturaleza del ser humano. Y es en ese proceso de apenas 83 minutos donde la trama nos obliga a enfrentarnos de nuevo a aquella cuestión ancestral, esa que ciencia, filosofía y religión aún no han conseguido digerir.

Ese recorrido —un espectáculo visual considerable y extraordinariamente bien envejecido— se adentra por los recovecos de un callejero urbanita infinito que recuerda demasiado bien a nuestra máquina más compleja: el cerebro. Cada plano, cada fotograma, parece diseñado para sugerir que la ciudad y la mente forman parte de un mismo organismo, el reflejo material de una conciencia fragmentada, donde los límites entre lo biológico y lo artificial terminan por difuminarse.

Todo ello exige al espectador algo más que una contemplación pasiva. Cada uno debe profundizar en una reflexión progresiva en base a los hilos argumentales que se entrelazan y permanecen deliberadamente abiertos, para finalmente desembocar en un juicio decisivo que apela a nuestra capacidad emocional, imaginativa y empática.

La incomodidad está servida y bien digerida.

Una cuestión incómoda

Cuando Mamoru Oshii planteó la obra —muchos años antes del transhumanismo, la digitalización global o la IA transformaran la vida cotidiana— lo hizo para formular una cuestión incómoda sobre la vida y su realidad: si los recuerdos y la conciencia pudieran copiarse en un receptáculo artificial, ¿seguiríamos siendo la misma persona? ¿Seríamos personas? Tales preguntas acabarán por acosarnos. No en vano, plantear la dicotomía entre Ghost y Shell, algo equiparable a la mente y cuerpo, es intencional, porque son dos porciones de un algo interno inconmensurable e inefable no siempre reconciliable.

A partir de ahí comienza un lento proceso de asimilación, confuso y atractivo, pero cargado de interrogantes.

En un mundo ultratecnológico, homogeneizado, mercantilizado y dominado por una constante ilusión de necesidad, como el nuestro, que va camino de sustituir lo natural por lo artificial, ¿cómo reconocer aquello que nos hace auténticamente humanos? ¿Cómo saber quiénes somos, quiénes fuimos y debimos ser? Si nuestra identidad termina construyéndose sobre aquello que catalogamos, valoramos o podemos reemplazar, ¿qué queda realmente de nosotros?, ¿qué queda realmente de nosotros? Y lo que es más inquietante, ¿es nuestra identidad algo exclusivamente biológico o es capaz de sobrevivir más allá del cuerpo?

Si lo que buscáis son respuestas, Ghost in the Shell no las tiene, porque nunca fue su pretensión encontrarlas, su intención es superior: obligarnos a convivir con ellas. Casi tres décadas después, mientras la inteligencia artificial, la ingeniería biomédica y la digitalización de la experiencia humana avanzan a un ritmo vertiginoso, pero casi siempre hallando callejones sin destino a la felicidad, a la verdad, las preguntas de Mamoru Oshii no han perdido vigencia. Si acaso, hoy resultan más incómodas que nunca.

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